Studio La Cachette er et lite fransk animasjonsstudio «gjemt i Paris» (som de sier på nettsiden deres) som de siste årene har blitt et av de dristigeste og mest dyptfølte animasjonsstudioene i mediet. De har bidratt til store kommersielle produksjoner, segmenter i Star Wars-antologiserien Visions (sesong 2s Spy Dancer), og Netflixs kritikerroste Love Death + Robots sesong 1 (Emmy-prisvinnende Sucker of Souls). De laget flashback-episoder av Netflixs Devil May Cry og videospillreklamer for Prince of Persia.
Hver enkelt, uansett hvor tilsynelatende ubetydelig, forsterker hvor spennende Studio La Cachette egentlig er. Stilen deres er både unik og i stadig utvikling; tidløs (de fokuserer på tradisjonell 2D-animasjon) og gjennomgående moderne. Hvert prosjekt er større og dristigere enn det forrige, mer energisk, mer emosjonelt, mer av det franskmennene kaller en viss noe. jeg vet ikke hva.
Hvis du kjenner dem fra noe, er det sannsynligvis deres pågående samarbeid med den legendariske russisk-amerikanske animatøren Genndy Tartakovsky. Studio La Cachette animerte alle tre sesongene av Tartakovskys utmerkede Adult Swim-serie Primal. (Den tredje og beste sesongen ble nettopp avsluttet tidligere i år.) De jobbet også sammen på Unicorn: Eternal Warrior, et cheesy, vagt steampunk-eventyr som dessverre bare varte i én sesong.
All denne erfaringen – å jobbe med en av de mest berømte animatørene i sin generasjon, flytte grensene deres, foredle og finpusse håndverket på store og små prosjekter – resulterte i studioets debutfilm, Mooi, som for tiden konkurrerer på Annecy International Animated Film Festival. Dette er virkelig fantastisk.
«Wooden Clothes» er skrevet og regissert av Studio La Cachettes medgründer Julien Chheng, som også skrev og regisserte «Spy Dancer». Det er en episk fantasi av episke proporsjoner og en helt fantastisk debut. Hvis La Cachette Studio fortsetter dette momentumet, kan de bli Frankrikes Studio Ghibli. Eller kanskje Pixar eller Cartoon Salon. Hvem vet.
Filmen forteller historien om en ung jente som heter Muyi. Hun bor sammen med bestemoren sin i en kvasi-magisk landsby der det bare bor eldre kvinner (menn er uttrykkelig forbudt). Mui forlot landsbyen på sitt elskede bøffelhorn og spilte spøk med flere lokale bondebarn, solgte pyntegjenstander til lokale turister og satte opp fyrverkeri. Mui sliter med å forstå hvorfor hun lever på denne måten og lengter, som heltinnene i mange animerte fabler, etter noe flere.
Mu Yi og vennene hennes møtte en turnerende kvinnelig utøvende gruppe. De leter etter Marshal’s Treasure, en lokal legende som oppsto i nærheten av der Mui bodde sammen med sin bestemor og andre kvinner. Skuespillerne, som er svært overtroiske mennesker, går med på å iscenesette dramaet sitt for landsbyen i bytte mot å kommunisere med general Shuai sin sjel og sette sjelen hans til ro ved hjelp av Mu Yis kvinnelige nabo, ofte kalt en heks. Tilsynelatende var det noe overnaturlig som virvlet rundt dem. Det ville vært flott om Mu Yi kunne bidra til å løse det.
Skuespillernes prestasjoner dreier stilistisk mot noe som er nærmere skyggedukketeater, og det er et av de mest slående øyeblikkene i en film som nesten utelukkende består av sjokkerende øyeblikk. Et øyeblikk kan til og med minne deg om Francis Ford Coppolas gamle skoleprolog til Bram Stokers Dracula. Det er i løpet av denne sekvensen du skjønner hvor utspekulert Studio La Cachette er; det lærer deg også å forvente det uventede.
Etter at showet er slutt, lærer Mui en tøff hemmelighet fra fortiden hennes og rømmer inn i skogen, hvor hun møter en rampete halvgud (som leter etter noen vandrende ånds). Dette møtet er det første i en serie med dominobrikker som til slutt ender med at karakterene våre, inkludert halvguden vegetarianeren Tiger og, selvfølgelig, Little Horn, blir trukket bakover i tid til «det femte eller sjette århundre», ifølge en karakter. Det stemmer – makten til amerikanske generaler sender dem tilbake hans tid.
Nå må Mu Yi og hans følgesvenner avdekke landsbyens hemmeligheter, finne generalens skatt og vende tilbake til nåtiden ved å ømt reparere fortidens sår.
Etter å ha gått tilbake i tid, får filmen et helt annet utseende. Så langt er det definert av den typiske glatte karakteranimasjonen og mordere designene studioet er kjent for, satt mot noen nydelige flekkete akvarellbakgrunner. Men når de går tilbake i tid, endres alt – en kalligrafisk stil dominerer, og den flate bakgrunnen kan forveksles med et dypt etset kart (eller kanskje 2D-bakgrunnen til noen elskede RPG-videospill fra 1980-tallet). Tegndesign er blitt ytterligere forenklet. De er like uttrykksfulle, men likevel destillert til sin absolutte essens. Og alt dette er bare Føl Annerledes uten å trekke for mye oppmerksomhet.
Akkurat som det visuelle til Wooden Clothes er slående, er følelsene enda mer intense. Dette gjelder spesielt i filmens sluttspurt, når ytterligere hemmeligheter om Mui selv og landsbyen hun bor i avsløres. Det er virkelig vakre ting, aldri over-the-top eller bukke under for banal sentimentalitet, noe som ville vært så enkelt å gjøre, spesielt i den historieboklignende animasjonsverdenen.
Cheng er helt klart en visjonær. Duetto, et annet studio han var med på å stifte, deltok også i produksjonen. Det er ikke noe du kan fortelle. Det er et sømløst, harmonisk samarbeid. Det er talende at Cheng ble inspirert av virkelige historier fra regionen som han og medforfatter Xu Sujuan hørte mens de reiste i Kina.
Cheng Cheng har noe å si om Wooden Clothes – om fellesskap, kjønn, hvordan historie blir legende og legende blir fakta – men han pakker det klokt inn i en fantasyfilm som føles like storslått som ethvert epos, men som har et intimt følelsesmessig senter som gjør det enda mer overbevisende. Det handler egentlig om flere karakterer som prøver å finne ut av seg selv og sin plass i verden, satt mot et fantastisk bakteppe, fylt med sekvenser som virkelig vil ta pusten fra deg (det er en fyr i sluttscenen, midt i en kamp, det er nesten utrolig) og tøffe scener som kan få deg til å gråte.
Uansett er det best å ta med vev. Eller et lommetørkle. Uansett hva som fungerer.