Når Tate Modern åpner Storbritannias første dybdeutstilling av Ana Mendietas verk på mer enn et tiår, utforsker vi den cubanskfødte kunstnerens vei til jorden, praksis styrt av kroppen
På mindre enn to tiår, Ana Mendieta har hatt en dyp og varig innvirkning på samtidskunsten. Hun ble født på Cuba i 1948, og ble forvist til USA i en alder av 12. Hun utdannet seg først som maler, deretter drev hun med en rekke dristig, eksperimentell kunst, noen ganger ved å bruke dyreblod fra slaktere, planter, forkullet tre og sin egen kropp i arbeidet sitt. Mendieta har en dyp tilknytning til jorden, og skaper kraftige politiske verk ved hjelp av naturlige materialer, noen ganger gjenspeiler det cubanske landskapet. Forskyvning og annerledeshet, følt så sterkt i hennes eget liv, gjennomsyrer verkene hennes, krever en strupende respons eller fremhever den slitne likegyldigheten til publikum.
I 1985, i en alder av 36 år, falt Mendieta fra leilighetsvinduet i New York og døde. Mannen hennes, kunstneren Carl Andre, ble anklaget for å ha dyttet henne, og senere frikjent; de som kjente henne og mange i kunstverdenen tror fortsatt sterkt at han myrdet henne. Dette voldelige dødsfallet truet til tider med å overskygge hennes formidable karriere, og gjorde henne offer for en forferdelig forbrytelse. Kunstnerens niese og eiendomsforvalter Raquel Cecilia Mendieta har lenge drevet kampanje for å refokusere livet og arbeidet.
Da Tate Modern åpner Storbritannias første dybdeutstilling av Mendietas arbeid på over et tiår, utforsker AnOther de definerende aspektene ved hennes praksis.
1. Ana Mendieta ble forvist fra Cuba i en alder av 12
Ana Mendietas far er advokat på Cuba, hennes onkel Carlos er presidenten. Etter den cubanske revolusjonen i 1959 ble faren hennes fengslet for å ha samarbeidet med CIA, og den unge artisten ble forvist uten foreldrene. Hun ble løftet ut av Havana i et felles initiativ mellom CIA og den katolske kirken, og slo seg ned i Iowa, hvor hun ble flyttet mellom barnehjem, reformskoler og fosterhjem. Hun opplevde å være en outsider for første gang og spøkte senere: «Jeg bestemte meg for at jeg skulle bli artist eller kriminell.» Cuba er en konstant tilstedeværelse i arbeidet hennes: hun vinklet en Siluetas fra 1981 slik at den cubanske tidevannet kunne skylle inn og ut av omrisset av hennes tomme kropp; På slutten av 1970-tallet var hun et grunnleggende medlem av Circulo de Cultura Cubana, som organiserte kunstnerutveksling med USA.
2. Hun utdannet seg først til maler
Mendietas tidlige kunsttrening ved University of Iowa var mer tradisjonell enn hennes eventuelle praksis, som fokuserte på maleri. Hun studerte for sin mastergrad under den tyske kunstneren Hans Breder, som hadde sterk innflytelse på hennes eksperimentelle arbeid, overvåket mellomprogrammet og oppmuntret til en tverrfaglig tilnærming. Maleriene hennes inneholder noen av de gjenkjennelige elementene i hennes senere arbeid, inkludert beherskede fysiske komposisjoner og selvportretter. Flere av Mendietas malerier er inkludert i Tate-retrospektivet; et verk fra 1969 med tittelen De película skildrer en brennende rød og gul figur presset ubehagelig mot lerretet, mens et selvportrett fra 1970 viser kunstneren i kaleidoskopiske farger som ser direkte på betrakteren.
3. Hun jobber med ekte blod
På 1970-tallet hadde Mendietas materialer blitt mindre konvensjonelle, med mange arbeider som brukte bøtter med kublod eller slakteravfall. I verk som Sweating Blood (1973) dryppet hun organisk materiale på ansiktet hennes som svar på voldtekten og drapet på en kvinne på University of Iowa campus. Blod brukes til å fremheve urettferdighet – og likegyldigheten som ofte vises overfor den; for Moffitt Building Piece (også 1973) dumpet hun slakteravfallet under inngangsdøren og over fortauet, og fotograferte mangelen på bekymring eller reaksjon fra forbipasserende.
4. Kroppen er sentral i arbeidet hennes, noen ganger ved sitt fravær
Mendietas kropp er viktig for selve arbeidet. Noen ganger bruker hun direkte sitt eget nærvær og sitt eget image. En tidlig serie Untitled (Glassmerker på kropp – ansikt) fra 1972 inneholdt ansiktet hennes presset kraftig mot et glasspanel i forskjellige vinkler. Hun manipulerte bildet sitt på andre måter, og lysnet håret og hudfargen i serien Untitled (Facial Aesthetic Variations), i 1972, for å utfordre rasismen hennes i Amerika. Hun lekte også med fraværet av kroppen hennes, skjulte sin fysiske form og tegnet senere silhuetten hennes for serien Silueta-dekomponering. Hun brukte naturlige materialer som blomster, gjørme, steiner, blader og sand til disse arbeidene, og brukte også krutt for å brenne statuene ned til bakken. «Jeg bestemte meg for at jeg ikke ville gjøre jobben lenger fordi jeg ikke likte performancekunst spesielt,» sa hun.
5. Arbeidet hennes forkjemper interseksjonell feminisme
Motivert av hennes levde erfaringer med forflytning og migrasjon i USA, har Mendieta tatt en interseksjonell tilnærming til feminisme, og utforsket møtepunktene for kjønn, rase og til og med alder. Disse ideene er vevd gjennom arbeidet hennes og uttrykt ikke som et behov for å unnslippe den andre, men for å omfavne den. I en kuratorisk uttalelse for en utstilling viet kvinnelige fargekunstnere, skrev Mendieta: «Som ikke-hvite kvinner er vår kamp todelt. Denne utstillingen peker ikke nødvendigvis på urettferdighet eller manglende evne til et samfunn som ikke er villig til å inkludere oss, men peker på den enkeltes vilje til å fortsette å være ‘andre’.»
Ana Mendieta Åpent på Tate Modern til 17. januar 2027.